Cottet, un peintre entre Paris et la Bretagne

Né au Puy-en-Velay en 1863, formé à Paris et profondément marqué par la Bretagne, Charles Cottet appartient à cette génération d’artistes qui, à la fin du XIXe siècle, cherchèrent une peinture plus grave, plus humaine, plus enracinée. Associé à la Bande noire, aux côtés de peintres comme Lucien Simon, Edmond Aman-Jean, André Dauchez ou René Ménard, il se distingue par une palette sombre, des compositions denses et une attention particulière portée aux vies humbles. Sa peinture s’éloigne de la légèreté lumineuse de l’impressionnisme. Chez lui, la couleur n’est jamais seulement décorative: elle sert à donner du poids aux êtres, aux gestes et aux lieux.

C’est en Bretagne que Cottet trouve son grand sujet. Il y séjourne à de nombreuses reprises entre 1885 et 1913, notamment à Camaret, Ouessant et Sein, qui deviennent des lieux essentiels de son œuvre. Mais son regard ne relève pas du folklore. Là où d’autres artistes s’intéressent au costume, à la scène pittoresque ou à la couleur locale, Cottet regarde la vie rude des pêcheurs, la pauvreté, la dignité, l’attente et la présence constante de la mort.

Il ne peint pas tant le travail de la pêche que ce qui l’entoure: les départs, les repas d’adieu, les femmes qui prient, les familles qui restent au bord de la mer. Le Triptyque des adieux, gravure conservée dans la Collection Zuloaga et inspirée du grand triptyque Au pays de la mer: Ceux qui s’en vont, Le repas d’adieu, Celles qui restent, conservé au Musée d’Orsay, résume avec force cet univers. La composition évoque la tristesse des séparations familiales sur les côtes bretonnes: ceux qui partent, le repas de l’adieu, celles qui restent. Chez Cottet, la Bretagne n’est pas un décor: elle devient le théâtre d’une humanité silencieuse et universelle.

L’Espagne vue par Cottet

L’Espagne entra dans l’œuvre de Charles Cottet par une porte essentielle: son amitié avec le peintre espagnol Ignacio Zuloaga. Les deux artistes se rapprochèrent dans le Paris de la fin du XIXe siècle, autour de la Bande noire et de la Société nouvelle de peintres et de sculpteurs. Ils partageaient un même goût pour les sujets populaires, les tonalités sombres et les mondes ruraux, loin des modes de la ville moderne.

Dans le sillage de cette amitié, Cottet se rendit en Espagne en 1904. Il y découvrit plusieurs villes de Castille: Ávila, Ségovie, Tolède et Burgos; avant de rendre visite à Zuloaga dans son atelier de Ségovie à l’automne 1905. Ce voyage ne fut pas un simple détour: il ouvrit dans son œuvre une véritable parenthèse espagnole. Au Salon de Paris de 1905, puis à l’exposition des Peintres Orientalistes, Cottet présenta une importante série de vues de Salamanque, Ségovie et Ávila, qui révélèrent une nouvelle facette de son talent.

Devant l’Espagne, Cottet ne cherche pas l’image brillante ou décorative des cartes postales. Son regard se pose sur les pierres, les murailles, les ponts, les silhouettes des villes anciennes et la solitude des paysages. Léonce Bénédite, grand critique d’art de l’époque, vit dans cette rencontre une révélation: l’«âpreté de la terre espagnole» aurait marqué Cottet comme un «écho méridional de la mélancolie de sa Bretagne». La Castille qu’il peint est austère, intérieure, silencieuse. Il y retrouve, sous une lumière plus ardente, une gravité proche de celle de la Bretagne. Entre l’éclat du ciel, la rudesse du sol et la majesté des monuments, l’Espagne le marqua profondément.

Quelques années plus tard, le peintre décida de revenir en Espagne. Il en rapporta de nouvelles impressions de Burgos, Cordoue, Ávila et Ségovie, parfois sous forme d’aquarelles ou de dessins d’une grande simplicité.

Ainsi, face aux villes espagnoles, Cottet garde le même regard profond que celui qu’il posait sur les pêcheurs bretons. Il ne se contente pas de représenter des monuments: il capte une atmosphère, une lumière, une mémoire. Ses vues espagnoles témoignent de son intérêt pour une Espagne intérieure, faite de villes de pierre, de traditions anciennes et de paysages chargés d’histoire.

Cottet et Zuloaga: le rural comme «âme de la patrie»

La relation entre Cottet et Zuloaga ne se limite pas à une amitié artistique. Elle permet aussi de rapprocher deux regards tournés vers des mondes populaires, anciens et menacés par la modernité. À la fin du XIXe siècle, l’industrialisation, l’exode rural et l’uniformisation des villes transforment profondément l’Europe. Face à ces changements, certains artistes cherchent dans les campagnes, les villages et les régions isolées une vérité plus enracinée.

Cottet trouve cette vérité en Bretagne, auprès des pêcheurs, de leurs familles, des départs en mer et des paysages rudes. Zuloaga la cherche en Castille, dans les villages, les figures populaires, les gitans, les paysans et les terres austères de l’Espagne intérieure. Tous deux dépassent le simple folklore: les pêcheurs bretons de Cottet comme les figures populaires de Zuloaga sont représentés avec dignité, comme les gardiens d’une mémoire et d’une identité profondes.

Chez Zuloaga, cette recherche rejoint les préoccupations de la Génération de 98, pour laquelle la Castille devient un territoire essentiel pour penser l’identité espagnole. Chez Cottet, la Bretagne joue un rôle plus intime et pictural: elle est le lieu d’une humanité grave, silencieuse, profondément liée à la mer. De la Bretagne à la Castille, leurs œuvres semblent alors poser une même question: où se conserve l’âme d’un pays, sinon dans ses terres les plus rudes et dans ceux qui les habitent?

SOURCES

André Cariou, « Le peintre Charles Cottet et la Bretagne », Annales de Bretagne, tome 80, nº 3-4, 1973, p. 649-665.

Léonce Bénédite, préface du catalogue Exposition Charles Cottet, Galeries Georges Petit, Paris, 14 juin-13 juillet 1911, Paris, Imprimerie Georges Petit, 1911.

Dena Crosson, Ignacio Zuloaga and the Problem of Spain, thèse de doctorat, University of Maryland, 2009.

Rapports du jury international. Exposition universelle internationale de 1900 à Paris. Tome premier, Paris, Imprimerie nationale, 1904.

Documentation interne de la Collection Zuloaga sur les œuvres de Charles Cottet conservées dans la collection.

Vous pouvez lire cet article en espagnol. 

Tout commença à Paris, chez Rodin. Lors d’une conversation entre les deux amis, Zuloaga évoqua son désir de se rendre en Espagne pour acheter une œuvre de l'artiste qu’il admirait tant : El Greco. Rodin répondit aussitôt : « Je vous accompagne ! » Ainsi, le 3 juin 1905, Rodin et Zuloaga, accompagnés du collectionneur russe Ivan Shchukin, montèrent à bord du Sud Express en direction de Madrid.

Madrid, le premier hommage à Rodin 

L’arrivée de Rodin à Madrid suscita une grande effervescence. Le sculpteur était déjà l’une des grandes figures de l’art européen, auteur d’œuvres comme Le Penseur, et sa présence dans la capitale espagnole attira l’attention des artistes, écrivains et journalistes de l’époque.

Pendant ces quelques jours, Zuloaga voulut lui faire découvrir des lieux incontournables de Madrid et de ses environs. Musée du Prado, Monastère de l’Escurial, Tolède et Illescas faisaient partie de l’itinéraire artistique imaginé par le peintre pour son ami.

Le 8 juin, un grand banquet fut organisé au restaurant La Huerta en l’honneur du sculpteur français. Environ 130 personnalités du monde culturel de l’époque y assistèrent, parmi lesquelles le directeur du Prado, José Villegas ; des artistes comme José Moreno Carbonero ; l’écrivain Pío Baroja ; le dramaturge Joaquín Dicenta ; ainsi qu’Ignacio et son oncle, le céramiste Daniel Zuloaga.

Plusieurs toasts furent portés en l’honneur de Rodin. L’un des plus mémorables fut celui du journaliste Mariano de Cavia:

«Permettez-moi, mes amis, de lever mon verre à Rodin, lui qui enferma la pensée dans la pierre».

En route vers Tolède : El Greco et une frayeur inattendue 

L’un des principaux objectifs du voyage était Tolède. Zuloaga souhaitait partager avec Rodin sa passion pour les œuvres d’El Greco conservées à Tolède et à Illescas, des peintures qui avaient profondément marqué sa manière de concevoir l’art. Pour le peintre basque, El Greco était un maître moderne avant l’heure.

Cependant, le trajet vers Tolède donna lieu à l’une des anecdotes les plus marquantes du voyage. Près d’Esquivias, l’automobile dans laquelle ils voyageaient renversa accidentellement un homme monté sur une mule. La frayeur fut immense. Rodin, profondément bouleversé, donna au blessé tout l’argent qu’il avait sur lui : « environ huit cents ou neuf cents pesetas », selon le critique Juan de la Encina, qui rapporta l'épisode des années plus tard.

Une fois à Tolède, Zuloaga tenta de transmettre à Rodin son enthousiasme pour El Greco. Il voulait que son ami comprenne la force spirituelle de ses figures, l’intensité de ses compositions et la liberté picturale du maître crétois. Mais Rodin ne fut pas convaincu. Selon les souvenirs de Zuloaga, lorsqu’ils parlaient d’El Greco, le sculpteur répondait d’un catégorique: « Pas du tout ! »

Curieusement, Rodin fut davantage fasciné par d’autres aspects du voyage : les paysages castillans, le vin local, le pain noir et la cuisine des tavernes.

Séville et la découverte du flamenco 

Dans la nuit du 8 juin, après le banquet madrilène, Zuloaga et Rodin poursuivirent leur voyage vers Séville. Ils séjournèrent à l’hôtel Inglaterra et parcoururent le quartier de Triana, l’un des lieux les plus liés à la tradition flamenca.

C’est à Séville que Rodin vécut l’une des expériences les plus marquantes de son voyage : une fête flamenca. Le sculpteur fut fasciné par le mouvement des danseuses, la liberté de leurs gestes et la puissance de la danse andalouse. Des années plus tard, Jacques Vilain, directeur du Musée Rodin de Paris, expliqua que le sculpteur avait été séduit par « la danse andalouse, la liberté et la grâce avec lesquelles se mouvaient les danseurs ».

On ne peut pas affirmer que Rodin ait directement reproduit ces figures dans ses œuvres. Mais il est facile d’imaginer que les corps en mouvement, l’énergie et l’émotion du flamenco l’aient profondément marqué. Après tout, sa sculpture cherchait précisément cela : capturer la tension d’un corps, d’un geste, d’une force intérieure.

Cordoue et l’achat d’une œuvre d’El Greco 

Après Séville, le voyage se poursuivit vers Cordoue. C’est là que Zuloaga acheta l’une des œuvres les plus importantes de sa collection : La Vision de saint Jean, également connue sous les noms de Vision de l’Apocalypse ou Ouverture du cinquième sceau, d'El Greco.

Le tableau connut ensuite une histoire remarquable. Zuloaga l’intégra à l’arrière-plan de son œuvre Mes amis, en hommage au peintre qu’il admirait tant, et l’exposa également dans son atelier parisien. Plusieurs artistes de l’époque purent y admirer la toile, parmi lesquels Pablo Picasso, pour qui Zuloaga joua un rôle important lors de ses débuts à Paris.

Cette œuvre a été associée à l’univers visuel qui aurait pu influencer Picasso lors de la création des Demoiselles d’Avignon, une peinture révolutionnaire qui marqua un tournant dans l’histoire de l’art moderne. Ainsi, un achat réalisé pendant ce voyage relia finalement El Greco, Zuloaga, Rodin et Picasso dans une même histoire artistique.

Une amitié entre admiration et désaccord 

Ce voyage fut marqué par un débat permanent autour d’El Greco. Zuloaga tentait de convaincre son ami de la grandeur du maître crétois, tandis que Rodin résistait, débattait, observait et se laissait davantage surprendre par d’autres aspects de l’Espagne : ses paysages, ses tavernes, sa gastronomie, son vin et le mouvement des danseuses flamencas.

Avec le temps, comme le raconta lui-même Zuloaga, Rodin commença à regarder l’œuvre d’El Greco autrement. De retour à Paris, le sculpteur visitait souvent l’atelier du peintre basque et restait longtemps à contempler la célèbre Vision de l’Apocalypse. Jusqu’au jour où il lui confia : « Elle commence à me plaire ».

C’était peut-être là la véritable fin du voyage. Il ne s’acheva ni à Madrid, ni à Tolède, ni à Séville ou à Cordoue, mais dans un atelier parisien, lorsque Rodin commença enfin à comprendre ce que Zuloaga avait voulu lui montrer depuis le début.

Ce voyage éclair à travers l’Espagne fut une immersion dans l’Espagne qui fascinait Zuloaga : celle de la Castille, de l’Andalousie, des villes chargées d’histoire, des tavernes, du flamenco et des grands maîtres. Une Espagne qui, vue à travers les yeux de deux grands artistes, devint une petite aventure inoubliable.

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Ce tableau peint en 1814 représente des événements qui ont eu lieu six ans auparavant. Il est associé au tableau nommé Les Fusillades du 3 mai, aussi appelé Tres de mayo.

Sur ce tableau de grande taille (2,68 x 3,47 mètres), Goya tente de capturer les horreurs de la Guerre d'indépendance espagnole.

Il est exposé dans la salle 064 du Musée du Prado. Il y est entré avant 1834 provenant des collections royales.

Dans cet environnement, Goya propose de faire deux tableaux.  En eux, il voulait montrer l'héroïsme et le sacrifice du peuple espagnol et plus particulièrement celui des madrilènes. Ces œuvres étaient : Le 2 mai 1808 à Madrid et Les Fusillades du 3 mai.

Les causes du soulèvement

L’excuse pour partir était de rencontrer ses parents, le roi Charles IV et Marie-Louise de Bourbon-Parme, à Bordeaux. Le peuple de Madrid ne pouvait pas permettre un tel évènement. Les madrilènes, équipés de toutes sortes d’armes, se soulèvent. La violence est extrême et surprend les troupes françaises.  

Joachim Murat, grand amiral de l’armée française, n'hésite pas à agir avec une crudité absolue. Toutes les personnes soupçonnées de faire partie de la révolte sont arrêtées et emprisonnées. Les adresses sont marquées et tout homme, femme ou enfant qui avait des blessures ou qui portait des instruments pointus est arrêté.

Vers quatorze heures, à l’après-midi, la rébellion est complètement étouffée. Les détenus, sans jugement préalable, sont exécutés.Voici ci-dessous une analyse des aspects les plus intéressants de ce tableau : Le deux mai 1808 à Madrid.

L’Emplacement

Toutefois, il n'est pas très clair quel est l'emplacement que Goya choisit pour peindre son œuvre.

Certains historiens déclarent que qu'il s'agit de la Puerta del Sol, d'autres de la Place de la Cebada, ou de la rue Carretas avec l'église du Buen Suceso (aujourd'hui disparue).

La thèse la plus défendue raconte qu’il s’agit de la rue Nueva (rue Bailén de nos jours). Ainsi, nous pouvons voir à gauche le Palais Royal et, au fond, la coupole de la Basilique de Saint-François-le-Grand.

Les mamelouks

L’armée française les avait incorporés dans ses rangs à cause de leur habileté avec les armes. Mais surtout, pour leur crudité sur le champ de bataille.

Ils arrivent à Madrid en 1808. Ils faisaient partie de l’escorte du grand amiral Murat.

Pendant la rébellion populaire du 2 mai ils étaient installés à Carabanchel. Ils sont vitement venus en aide des soldats français.

Sans aucun doute, leur présence dans cette œuvre n'est pas arbitraire. Goya a dû les choisir à cause de la férocité avec laquelle ils avaient agi.

De plus, nous pouvons apprécier un membre du Régiment des Dragons de l'Impératrice. C'était un corps d'élite de soldats de cavalerie légère.

Les révoltés

D'un autre côté, il s’agit d’une scène de violence extrême, fidèle à ce s'était passé. À gauche, un personnage poignarde férocement le corps d'un mamelouk déjà mort.

À droite, il y a un homme qui enfonce une barre dans un cheval blanc, une victime innocente. Et à gauche, un jeune homme à côté d'une femme qui fait avec ses mains un geste de supplication.

Elle travaille sur plusieurs lignes. D’un côté les vaisselles qui ces dernières années sont devenues les protagonistes de la collection de Chirri. La nature inspire tous les dessins qui décorent ses assiettes peintes à la main, tasses, théières…, libellules, papillons, feuillages… Bien que l’artiste travaille aussi sur commande. «Il est souvent difficile de trouver ce que quelqu’un recherche exactement, c’est pourquoi j’aime donner cette liberté aux clients. Certains préfèrent quelque chose de simple, d’autres cherchent des compositions en blanc et noir, ou encore très coloriées… Ce qu’il faut, c’est bien comprendre ce qu’ils veulent pour que le résultat final leur plaise» dit-elle.Toutes ses œuvres témoignent de caractéristiques constantes dont le goût pour le détail d’où des tables couvertes de pièces uniques dans un style délicat et raffiné, mais faisant preuve à la fois de force et d’originalité.

Connaissant bien tous les textiles, les traditionnels comme les contemporains, elle recycle et mêle les uns et les autres pour obtenir des contrastes intéressants. Dans ses coussins se côtoient des morceaux de brocart de soie, de toile à sac ou de toile pour peintre; ses couvres lits, rideaux et grands châles en toiles de Majorque, nappes de lin et coton sont toujours des créations personnelles: «Tout ce monde me fascine et j’adore faire des recherches et créer à partir de techniques anciennes et les rénover avec des méthodes et dessins actuels» Le résultat en est un monde particulier qui enchante tous ceux qui l’approchent.