Avec l'apathie qui a envahi ses expéditions muséales ces derniers temps, la voyageuse se trouve maintenant au musée Reina Sofía, dans la salle 205-206. Un énorme tableau remplit à lui seul un mur entier. Une petite lumière s’allume en elle. Elle le sent à l'intérieur. Elle sait ce qui va se passer et pourtant elle n'arrive toujours pas à y croire. L'espace commence à tourner. Le sol sur lequel ses pieds se trouvaient est maintenant une voie ferrée. "Je l'ai encore fait", se dit-elle.

"Une immense toile pour y mettre le monde"

L'euphorie initiale, qui ne disparaît à aucun moment de cette nouvelle aventure, se transforme désormais en incertitude. Elle se tient debout. Cependant, elle a le sentiment de se trouver dans une position non naturelle, d'où elle voit beaucoup de choses qu'elle ne peut expliquer. Des enfants jouent près d'un banc, le bruit de la mer vient de pas très loin. En arrière-plan, la litanie d'une étrange mélodie. C'est une image surréaliste, c'est sûr. Rapidement, la voix d'un vieil ami lui vient en aide : "Nous sommes devant l'œuvre la plus importante de l’artiste Ángeles Santos : Un mundo".

La voyageuse de l'art connaît ce tableau, ou plutôt, en a entendu parler. Oui, elle s'en souvient maintenant. Elle avait raison : Un mundo est une œuvre dans laquelle surréalisme et cubisme s'entremêlent dans une danse hypnotique. Il s'agit d'une peinture à l'huile mesurant pas moins de 290 x 310 centimètres, peinte en 1929. "Mon père m’a commandé une immense toile pour y mettre le monde ", murmure une jeune femme élancée assise juste derrière elle. La voyageuse de l'art la reconnaît.

C'est elle, Ángeles Santos. Une toute jeune Ángeles Santos, âgée d'à peine 18 ans, l'âge auquel elle a peint ce tableau qui a tant impressionné ses contemporains. "J'ai entendu dire que l'homme atteindra la planète Mars", lui dit l’artiste en allumant une cigarette. "J'ai peint ce tableau pour qu'on puisse l'envoyer là-bas et faire savoir aux Martiens à quoi ressemble notre planète Terre", ajoute-t-elle.

Point de départ : Portbou, un paradis d'enfance

Certains pensent que le côté droit du tableau rappelle sa terre natale, Portbou, un endroit où le paysage aride contraste avec le bleu de la mer. Son fils Julián a commenté, dans le documentaire d'Eva Fontanals El mundo de Ángeles Santos, que ce lieu était pour sa mère "le souvenir d'une vie heureuse".

Le photographe et enseignant Eduard Olivella Falp a commenté dans cette même pièce audiovisuelle que "ce type de nature brute semble se refléter fortement dans ce traitement cubique du tableau". On la retrouve dans la terre marron clair, dans l'eau où jouent plusieurs personnes, dans les voies ferrées et la gare (car le père d'Ángeles était douanier), dans les formes qui émergent du cube et qui peuvent faire penser à une mer déchaînée.

La voyageuse de l'art regarde ensuite vers le côté droit du tableau, où un escalier monte vers le soleil. La jeune femme observe avec une attention soutenue les femmes étranges qui tachent leurs pinceaux de la couleur du soleil et descendent dans l'obscurité pour éclairer les étoiles.

La période de splendeur d'Ángeles Santos

L'année où Santos a peint cette œuvre, en 1929, la peintre avait à peine 18 ans et vivait avec sa famille à Valladolid. À cette époque, selon l'audioguide, elle a peint ce qui est considéré comme ses meilleures œuvres. En effet, sur l'une des façades ouvertes, on peut voir trois femmes en train de lire, une image très proche de celle d'une autre de ses œuvres les plus appréciées : La tertulia (Le club).

Pendant cette période de sa vie, Ángeles Santos est devenue très populaire en Espagne. Ses peintures en général, et sa toile Un mundo en particulier, ont fait une grande impression. Des personnes telles que Federico García Lorca et Ramón Gómez de la Serna ont sonné à sa porte avec l'intention de rencontrer le génie qui était né à Portbou. En fait, Gómez de la Serna, de 23 ans de plus qu’elle, lui a demandé de l'épouser. Pendant ce temps, Santos ne faisait qu'une chose : peindre, peindre et peindre. Tout venait de son imagination, "de la peinture d'avant-garde authentiquement espagnole", dit Eduard Olivella.

Le monde sombre d'Ángeles Santos

Le sol sous les pieds de la voyageuse de l’art s'enfonce et le monde change. Soudain, c’est la nuit. Elle ne peut rien voir. "Comment est-ce possible ?" se demande-t-elle. Le surréalisme, c'est ça le truc, c'est surréalisme. Une fois que ses yeux se sont habitués à l'obscurité, la voyageuse commence à voir. Des arbres secs, des formes sombres se déplacant parmi leurs branches... Elle observe tristement une femme qui marche dans la pénombre. C'est, une fois de plus, Ángeles, décrépite.

"En 1930", note l'audioguide, "les parents d’Ángeles Santos l’internent dans un centre de santé à Madrid". La peintre, accompagnée partout par son père, était malheureuse à Valladolid, comme elle le racontait à Gómez de la Serna dans ses lettres. Une nuit, l’artiste s'est promenée seule sur les rives de la Pisuerga pour enfin entrer dans l’eau froide de la rivière. Après avoir quitté le centre de santé, elle retourne dans sa province natale, Gérone. Ángeles Santos n'a jamais cessé de peindre, mais, après cet incident, elle n'a plus jamais peint à partir de son imagination.

Après avoir marché un moment dans l'obscurité de l'artiste, la voyageuse de l'art tombe sur une scène encore plus macabre que les précédentes : un homme en poignarde un autre. La jeune femme sent soudain la peur lui envahir le dos et elle se met à courir désespérément le long de la voie ferrée désormais vide. Un tunnel se dresse sur son chemin. Elle commence alors à sentir l'odeur de la mer et court vers la fin de son voyage.

La résurgence d'une star

Pendant des siècles, la Mona Lisa du Prado a été sous-estimée. Elle était considérée comme une pièce peu importante, juste une autre copie de la célèbre Mona Lisa. Mais 2012 est arrivé. À cette époque, le musée du Louvre préparait une exposition sur De Vinci et a demandé à l'institution madrilène d'y inclure sa réplique décriée. Vicent Delieuvin, conservateur de la peinture italienne au Louvre, a alors demandé à la technicienne principale du bureau de documentation technique du Prado, Ana González Mozo, si la réplique avait fait l'objet d'une recherche. Motivé par ce doute, González Mozo a commencé à rechercher sur cette mystérieuse reproduction. La graine de la suspicion avait déjà été plantée.

À ce moment-là, la Mona Lisa du Prado n'avait pas de fond. Ce n'était pas un paysage comme aujourd'hui, mais un fond noir. Heureusement, grâce à des techniques de restauration avancées, les chercheurs ont découvert qu'il y avait quelque chose derrière le noir. Le même paysage que celui que l'on peut voir dans l'original de Mona Lisa. C'était le vrai fond caché derrière un rideau d'ombre.

Cette découverte a tout changé. Dès lors, il était possible de savoir qu'il ne s'agissait pas de n'importe quelle copie, mais de la plus ancienne et de la seule qui ait été réalisée en même temps que l'original.

Questions non résolues

La première référence à la Joconde du Prado date du XVIIe siècle, soit au moins 100 ans après que De Vinci ait peint sa Joconde. Plus précisément, c'est en 1666 qu'un tableau a été inventorié sous le numéro 588 dans la Gallérie du Midi de l’Alcazar Royal de Madrid avec la légende "muger de la mano de Leonardo Abince" (femme avec main de Leonardo Abince). Dès 1819, lorsque le musée du Prado a été fondé, cette œuvre a fait partie de sa collection. La Joconde du Prado a été exposée à de nombreuses reprises dans les galeries du musée et a attiré de nombreux visiteurs curieux, mais elle n'a jamais eu l'importance qu'elle a aujourd'hui.

Quant à la deuxième question, à savoir pourquoi le tableau se trouve en Espagne, la réponse est plus imprécise et mystérieuse. L'une des théories, qui n'est pas prouvée, suggère que c'est le sculpteur Pompeo Leoni qui a introduit la copie en Espagne. Cette hypothèse repose sur le fait que Leoni possédait plusieurs œuvres de De Vinci. Parmi les plus notables, les Codex de Madrid I et II, aujourd'hui conservés à la Bibliothèque Nationale. En résumé, on sait que la Joconde du Prado est entrée en Espagne avant 1666, mais on ne sait pas exactement quand, ni avec certitude qui l'a introduite et pourquoi.

Similitudes et différences entre les répliques et les originaux

La Mona Lisa du Prado se distingue facilement de sa sœur. En fait, certains experts en la matière sont frappés par le fait que, de toutes les répliques, c'est celle qui ressemble le moins à l'original. La différence la plus notable réside dans l'absence de la célèbre technique du sfumato qui caractérise les œuvres de Léonard. Ce procédé pictural est obtenu en donnant aux compositions un contour diffus, qui intègre l'arrière-plan à l'élément principal. Cette technique est à son meilleur dans la Mona Lisa de De Vinci. En revanche, la Mona Lisa du Prado est parfaitement définie. C'est comme une copie HD de sa sœur, une reproduction dans laquelle la Joconde est séparée de l'arrière-plan.

Une autre différence par rapport à l'original, plus difficile à voir, est la poitrine de la femme. Les experts soulignent que cette reproduction révèle clairement une connaissance déficiente de l'anatomie humaine. De même, le conservateur du Prado, Miguel Falomir Faus, a souligné que toutes ces disparités se retrouvent dans "la manière dont la couleur est appliquée, sans nuances et sur des surfaces limitées par d'épaisses lignes noires". Cependant, le même conservateur a souligné que ce sont précisément ces différences qui révèlent des détails qui ne pouvaient pas être vus dans la peinture originale.

D'autre part, les similitudes s'observent, tout d'abord, dans les dimensions et les formes identiques de la copie et de l'original. Cette singularité suggère que les deux tableaux ont été réalisés à partir du même carton. En outre, l'original et la réplique présentent également la ligne rouge distinctive avec laquelle Da Vinci soulignait les yeux des visages dans ses dessins. Mais la preuve que les deux œuvres ont été réalisées en même temps réside dans les dessins étonnamment similaires qui se trouvent sous la peinture. En outre, les corrections qui apparaissent dans le tableau original sont répétées une à une dans la copie, comme le souligne le Musée National du Prado.

Le peintre mystérieux de la Joconde du Prado

Une autre des questions entourant cette reproduction est l'identité de son auteur. On ne sait pas avec certitude qui pourrait être l'auteur, mais certaines questions sont éclaircies. Tout d'abord, il doit s'agir d'une personne très proche de l'artiste avec qui De Vinci travaillait étroitement. Plus précisément, l'un des élèves dans son propre atelier. D'autre part, on sait également que ce même artiste a réalisé deux autres copies de tableaux de De Vinci : une du Salvator Mundi, dite Version Ganay, et une autre de l'œuvre connue sous le nom de Sainte Anne.

De tous les candidats, les historiens en ont choisi deux : Andrea Salai et Francesco Melzi. Tous deux étaient de très proches disciples de Léonard. Melzi était également le dernier héritier des peintures de son maître et était responsable de leur conservation. Dans le cas de Salai, il était également le modèle et l'amant de De Vinci. Les deux hypothèses ont été avancées par le Prado et le Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France. Mais ce ne sont que des conjectures.

Une version inachevée de la Joconde

Pour le conservateur du Louvre Vicent Delieuvin, la réplique du Prado n'est qu'une version inachevée de la Joconde. Il s'agit, comme il l'a souligné dans une interview accordée à eldiario.es, d'un état intermédiaire de la création : "comme une photographie de celle du Louvre avant qu'elle ne soit terminée".

Quoi qu'il en soit, les récentes découvertes faites sur la Joconde du Prado et la suppression du fond noir au profit de l'original ont motivé l'organisation d'une nouvelle exposition. Léonard et la copie de la Joconde, nouvelles approches de la pratique de l'atelier Vinci a ouvert au public le 28 septembre et sera exposé au Musée Nationale du Prado jusqu'au 23 janvier.

Elle est assez confuse. Elle décide de ne pas jouer aux devinettes avec son compagnon audioguide cette fois-ci. Elle commence à regarder autour d'elle afin que toutes les informations dont elle a besoin pour ne plus être perdue commencent à lui parvenir. La voix commence à faire son travail. L’audioguide lui révèle l'endroit où ils se trouvent.

Le dernier galop

Ils sont en pleine nature, près du Mont El Pardo, la résidence du roi et de la reine d'Espagne. Ils ont voyagé jusqu'à l'année 1635, alors que Philippe IV et Isabelle de Bourbon sont chargés de régner. C'est à ce moment que la voix présente à la voyageuse le protagoniste qui se trouve juste devant elle : il s'agit du successeur au trône, le prince Baltasar Carlos. Bien que les personnes présentes, à l'exception de la voix et de la jeune femme, ne savent pas qu'il ne régnera jamais vraiment.

La jeune fille regarde la scène avec tendresse, il n'est qu'un garçon à cheval, mais elle sait tout ce qui va se passer. La voix rafraîchit l'histoire et lui dit que le prince va mourir alors qu'il n'a que 16 ans. Sa mère était morte seulement deux ans plus tôt, en 1644. Pour cette raison, la monarchie se trouve dans une situation complexe et il y a une crise grave. Il n'y a pas d'héritier au trône et il n'y a pas de reine pour engendrer un nouveau successeur.

Naissance de Les Ménines

Pour toutes ces raisons, Philippe IV épouse l'archiduchesse Marie-Anne d'Autriche en 1647. Ce mariage a donné naissance à l'Infante Margarita María Teresa d'Autriche. Margarita, à l'insu de l'artiste, allait être le sujet de l'une des œuvres les plus importantes de sa carrière. Ce n'est autre que l'Infante qui apparaît au premier plan du tableau emblématique Les Ménines. Soudain, quelque chose fait sortir la voyageuse de l'histoire que l'audioguide lui raconte.

Le cheval est devenu nerveux et n'arrête pas de bouger, mais le prince parvient à le calmer. Un autre homme semble également avoir été effrayé. La voyageuse n'a pas eu besoin d'aide pour le reconnaître. Non seulement à cause de son apparence, mais aussi grâce à toutes les informations qu'elle a obtenues sur la Couronne, elle sait qu'elle se trouve devant Diego Rodríguez de Silva y Velázquez.

Elle sait aisément qu'elle se trouve devant l'œuvre Le Prince Baltasar Carlos à cheval, un tableau qui, au XXIe siècle, est exposé au musée du Prado, mais qui, au XVIIe siècle, a été créé dans une intention différente : décorer les murs du Salon des royaumes du palais du Buen Retiro. L'espace accordé à l'œuvre se trouve au milieu des deux tableaux qui représentent également les rois : Philippe IV, à cheval, et la reine Isabelle de Bourbon, également à cheval.

Le son de la nature

La nature émet ses sons caractéristiques et la voyageuse laisse le chaos de côté et prend ses distances pour écouter et regarder attentivement le paysage. Elle observe les formations rocheuses en arrière-plan, mais dans ce cas, elle est incapable de les différencier et s'en remet à la sagesse, comme auparavant, de son fidèle compagnon. Et ce dernier, sans la décevoir, commence à réciter les informations.

Comme dans les autres portraits de cette série, les modèles sont représentés dans un paysage proche de la cour royale, dans ce cas près des montagnes du Pardo. Sur la gauche se trouve la chaîne de montagnes Sierra del Hoyo et, au moment où il la nomme, elle se tourne pour la regarder. Elles font partie du parc régional Cuenca Alta del Manzanares. À droite, elle voit également des montagnes. C'est la Sierra de Guadarrama, si importante pour la ville de Madrid.

Un geste attire l'attention de la voyageuse. Velázquez lui-même montre du doigt deuz montagnes curieuses : La Maliciosa et Cabezas de Hierro. Le mont Maliciosa porte ce nom énigmatique en raison de la complexité des chemins qui mènent au sommet. Cabezas de hierro ou Têtes de fer tire également son nom d'un fait curieux : il y a du fer magnétique au sommet de ces pics de la Sierra de Guadarrama.

Soudain, une fois de plus, le cheval est hors de contrôle, mais le prince, malgré son jeune âge, reste impassible sur son dos. La voyageuse regarde l'œuvre du peintre : chaque coup de pinceau glisse sur la toile de manière méticuleuse. En fait, il fait quelque chose de révolutionnaire. Ce n'est pas un portrait ordinaire. La partie paysagère prend également une grande importance, un style inédit en Europe.

Une nouvelle voie

Velázquez s'approche de la voyageuse pour lui montrer quelque chose. Elle, toujours nerveuse de ce qu'elle vit, s'approche de lui. Ses yeux lui indiquent un chemin à travers la végétation du lieu, mais dans la direction opposée. La voyageuse lui parle avec ses yeux et exprime son incertitude. L'artiste la calme et lui dit à nouveau de prendre le chemin. Son expression transmet une paix et une sécurité réelles. Elle n'a pas l'impression qu'il veut qu'elle parte, elle le ressent comme une nouvelle aventure à découvrir sans cesse.

Elle voit à nouveau le chemin. Lorsqu'elle porte à nouveau son attention sur la scène, elle voit le peintre tendre un bâton au petit prince. Ce dernier le prend dans sa main droite, tandis que Velázquez continue de peindre. La voyageuse se dirige vers sa nouvelle destination et s'engage sur le chemin avec conviction. Elle se retourne et croise le regard de Velázquez, qui la calme et lui dit d'avancer. Elle l'écoute et continue à marcher. Comme d’habitude, elle se trouve sur une nouvelle scène.

Le nombre de bateaux qui reposent à cet endroit peut lui donner un indice sur l'endroit où elle se trouve. Il doit s'agir d'une municipalité côtière où la pêche constitue un moyen de subsistance économique important pour ses habitants. Elle joue, comme elle l'a fait à d'autres reprises, à essayer de trouver des informations sans l'aide de l'audioguide et à placer ses propres paris.

Le jeu de sensations de Martín Rico y Ortega

Pour ce faire, elle regarde les vêtements des gens. Elle pense avoir voyagé deux siècles en arrière. Son fidèle compagnon vocal rompt le pacte et commence à confirmer ou infirmer ses hypothèses. Elle vérifie qu'ils sont au 19ème siècle, en fait ils ont été transportés en 1872. Après avoir deviné la bonne réponse, elle continue le jeu, maintenant pour trouver l'endroit précis où elle se trouve. Pour ce faire, elle analyse le paysage et un fait important : l'accent de la foule de personnes présentes dans la scène. D'après le climat et la façon dont ils parlent tous, il semble qu'ils sont dans le nord de l'Espagne. Elle affirme qu'ils se trouvent au Pays basque, plus précisément à Fuenterrabía.

Elle continue à spéculer et des souvenirs commencent à lui revenir. La scène lui est familière, elle a déjà vu ce paysage auparavant. Elle l'a déjà vue lors d'une de ses nombreuses visites au musée du Prado. La voix entre en jeu et avoue qu'elle a raison. Il s'agit de l'œuvre Desembocadura del Bidasoa, de Martín Rico y Ortega. L'artiste est également présent dans la scène, immortalisant chaque détail sur la toile. Comme la voyageuse, il le fait à l'abri de l'eau qui monte de la mer et baigne le sable. Lorsqu'elle lève les yeux, elle croise le regard complice de l'artiste et lui rend son geste.

La plage de Fuenterrabía/Hondarribia est pleine de marins et de pêcheurs entassés sur ou près du rivage avec leurs bateaux qui viennent s'échouer. La scène est également composée de nombreux enfants jouant dans le sable mouillé. Vous pouvez le sentir dans l'air et entendre les petits s'amuser et rire. La tendresse envahit la voyageuse lorsqu'elle observe avec quelle joie ils remplissent l'atmosphère de sons.

La rivière embrassée par deux pays

Elle est hypnotisée par l'eau de la mer. La Bidassoa, un nom qui fait partie du titre de l'œuvre, est également très présente dans l'enclave. C'est ici que la rivière se jette dans la mer Cantabrique. Sur une rive se trouve l'Espagne et sur l'autre la France.

La voix commence à parler du lieu à la voyageuse. On l'appelle Fuenterrabía, ce qui signifie "gué de sable", bien que ce ne soit pas tout à fait exact. L'anecdote réside dans le fait qu'à l'époque de la visite de la voyageuse de l'art, la ville s'appelait Fuenterrabía, mais qu'à l'époque actuelle du XXIe siècle, ce fait a changé. Cela est dû au fait que, dans les années 1980, le conseil municipal et les habitants ont décidé d'appeler la ville Hondarribia. Tous les panneaux annoncent aujourd'hui la ville avec le nouveau nom.

Le gué de sable

Le lieu où se déroule la scène est très proche de la frontière avec la France. En fait, ce que l'on peut voir à droite de l'œuvre et que la voyageuse de l'art peut voir de ses propres yeux, c'est la pointe de Sainte Anne à Hendaye. On peut également voir les deux rochers situés au pied du promontoire de Sainte Anne, appelés les deux jumeaux. On peut même apercevoir la ville française de Biarritz, que Martín Rico y Ortega capture dans l'œuvre par de subtils coups de pinceau en arrière-plan.

Elle regarde chaque coup de pinceau qui recouvre la toile de peinture. La nostalgie l'envahit, elle se souvient parfaitement de la première fois où elle a vu l'œuvre achevée, des siècles plus tard, au musée du Prado. Bien qu'elle n'y ait pas toujours été exposée. Rico y Ortega jouissait d'une grande notoriété et d'une grande réputation à l'époque où il a élaboré cette œuvre. Elle a été exposée des années auparavant, en 1878, à l'Exposition universelle de Paris, où il était l'un des artistes les plus remarquables.

Martín Rico y Ortega, un artiste espagnol pionnier

Martín y Rico y Ortega, né à Madrid, est considéré comme l'un des pionniers de la peinture de paysage espagnole moderne. Il a voyagé dans différentes parties du monde, comme l'Italie et la Grande-Bretagne, rencontrant des artistes et nourrissant son inspiration. Il a été un précurseur des mouvements artistiques en Espagne, ce qui se reflète dans cette œuvre. L'artiste a été l'un des premiers à peindre ce paysage particulier, qui a ensuite inspiré de nombreux autres artistes, comme Darío de Regoyos.

Un bateau s'est échoué et a du mal à atteindre la rive et à débarquer. Certains des marins se rendent sur le bateau pour aider et l'agitation transporte la jeune femme sur les lieux. Elle voit qu'un des groupes d'enfants n'est plus assis sur le sable et qu'ils courent maintenant. Ils s'approchent de plus en plus de la voyageuse de l'art et jouent avec elle comme s'il s'agissait d'un pilier sur lequel ils peuvent se cacher pour que leurs amis ne les trouvent pas. Au milieu de tout ce désordre et lorsqu’elle tourne  sur elle-même, il n'y a plus de mer.

Les rayons du soleil ne touchent pas encore sa peau, mais la lumière envahit tout le paysage. Elle est face à un grand jardin plein de plantes et de fleurs qui l'invite à y entrer. Le sentiment de la jeune femme dans ce lieu est très agréable. Elle ne sait pas vraiment où elle se trouve, car elle n'a pas encore reçu l'aide de son fidèle compagnon, l'audioguide. D'après le climat et l'odeur de l'air, elle sent qu'elle est quelque part dans le sud de l'Espagne.

Au pied des cyprès

Le ciel, plus bleu que jamais, rayonne de lumière. C'est une scène joyeuse, qui rappelle l'été et le plaisir de profiter du beau temps. Le ciel est complètement dégagé, seul un nuage blanc est visible parmi les cyprès en arrière-plan. L'audioguide lui a déjà donné, comme il le fait toujours, toutes les informations utiles dont elle a besoin. Toujours de la même manière : en révélant les détails de tout ce qui englobe la vision de la jeune femme et ce que ses yeux pointent.

Une avalanche d'informations déferle sur la jeune femme. La voix lui révèle, après avoir assisté à la scène pendant quelques minutes, qu'elle se trouve à Grenade. Plus précisément, dans le jardin de la maison familiale où Mariano Fortuny vit avec sa femme et ses enfants. L'artiste, catalan de naissance, est venu des années plus tard vivre et profiter de Grenade avec sa femme.

Cecilia et le jardin inachevé

Le chant des oiseaux, le bruit de l'eau qui tombe dans les jets de la fontaine, les feuilles qui se balancent sous le vent doux qui va et vient dans le jardin et l'odeur des fleurs envahissent les protagonistes. Et c'est exactement ce que l'artiste capte, à l'aide de la technique de la chambre noire, dans son œuvre Jardin de la maison de Fortuny. Bien que pas entièrement. Le fait est que le protagoniste de l'œuvre, qui est la femme de Fortuny, Cecilia de Madrazo, ne pose pas pour l'œuvre. Elle est également dans le jardin, mais pas devant son mari, comme on peut le voir dans la pièce.

Bien qu'aucun des deux ne le sache à ce moment-là, l'œuvre ne sera pas terminée par l'artiste qui l'a commencée, Fortuny. La voix continue à faire son travail et informe la voyageuse de l’art de tout ce dont elle a besoin pour comprendre la scène, qui est soudainement devenue quelque peu tragique.

Ce que le Catalan peint en réalité, c'est son jardin. La figure de Cecilia avec son parasol rouge caractéristique a été ajoutée par son frère, Raimundo de Madrazo. Il a également ajouté le chien sur la gauche. Cela est dû au fait que le tableau a été commencé en 1872 mais a été interrompu en 1876 en raison de la mort de Fortuny due à la malaria. Les travaux sont repris par son beau-frère, qui ne les achève qu'en 1878.

Fortuny n'avait que 36 ans lorsqu'il est mort, mais au moment de sa mort, il était déjà un peintre bien reconnu, avec une grande renommée et une grande influence. Il est en effet considéré comme l'un des artistes les plus importants du XIXe siècle, aux côtés d'illustres artistes tels que Goya. Il s'est beaucoup intéressé à ses œuvres, ainsi qu'à celles de Velázquez, lors de ses nombreuses visites au musée du Prado. Il y rencontre l'homme qui, à son insu, deviendra son beau-père. Le père de Cecilia était également un artiste, nul autre que Federico Madrazo.

"La plus belle des belles"

La maison familiale qu'il crée avec sa femme est située au numéro 1 de Realejo Bajo. C'est le nom donné aux anciens vergers royaux où les monarques nasrides avaient l'habitude de passer leurs vacances. C'est dans ce quartier que se trouve aujourd'hui, au XXIe siècle, une place en son honneur qui porte son nom de famille. Bien qu'il n'ait pas grandi à Grenade, le lien et la passion qu'il ressent pour cette ville est énorme. C'est ce que l'audioguide dit à la jeune voyageuse, paraphrasant Fortuny lorsqu'il écrit à son ami Martín Rico :

"Grenade, la plus belle des belles, celle avec le ciel de lapis-lazuli, celle avec les tours et les forteresses roses et l'Alhambra d'or, d'argent, bref, de tout ce qu'il y a de plus riche au monde". La voix continue à rapporter les paroles de Fortuny et ajoute : "Je suis venu ici parce qu'il n'y a pas de peintres. La vie est deux fois moins chère et on est entièrement indépendant. J'ai une maison entière comme atelier, on peut peindre en plein air, sans voisins, et j'ai une vue sur la Vega, avec un soleil magnifique. Venez, nous allons passer un bon hiver, nous allons peindre des patios et des gitans à volonté".

Cette complicité entre l'artiste et la ville n'est pas surprenante. Au pied de sa maison, rien de moins que l'Alhambra. Le voyageur remarque sa présence. Cette merveille arabe a été une source d'inspiration infinie pour Fortuny pendant une grande partie de sa carrière professionnelle. Son lien avec le lieu est si fort que l'artiste y a même vécu, dans ce que l'on appelle la porte des sept étages, l'une des entrées les plus emblématiques des murs du complexe. Il est même allé plus loin en baptisant son fils à l'Alhambra même, ce qui coïncide avec la période où la famille y a vécu entre 1870 et 1872.

Le parasol rouge de Cecilia hésite à s'envoler dans le vent qui a commencé à souffler à l'extérieur de la maison. Un vent plus fort l'oblige à se couvrir le visage et à se détourner. La voyageuse artistique se déconnecte ainsi de la voix de son compagnon et de la scène. Elle revient à la réalité. Cecilia ferme le parasol et lorsque la voyageuse de l’art regarde autour d'elle, elle n'est plus dans le jardin familial de Fortuny. Elle sent à nouveau la mer.

Elle voit des rochers au loin. Le son magnétique des vagues qui s'écrasent contre eux l'attire sur le site. Elle peut également distinguer deux silhouettes humaines, mais ne parvient pas à en découvrir beaucoup plus. Dans une sorte de jeu avec la voix qui l'accompagne toujours, elle demande à l'audioguide de la laisser découvrir. Elle veut tenter de découvrir par elle-même où elle se trouve, elle ne veut pas obtenir l'aide de son fidèle compagnon. Et c'est là qu'elle se dirige.

Elle marche jusqu'à ce qu'elle se trouve en face des deux personnages. Maintenant, elle peut voir un peu plus. C'est une femme avec une petite fille. Lorsque la première se retourne, la voyageuse de l’art reste étonnée. Si ses yeux ne la trompent pas, elle est en face de Clotilde, épouse du peintre Joaquín Sorolla. La fillette est la plus jeune fille du couple, Elena Sorolla. Elle se souvient avoir vu son visage dans l'œuvre Mes fils, de 1904. Elle y reconnaît, derrière Clotilde et Elena, la mer méditerranéenne. C'est alors qu'elle laisse la voix de l'audioguide lui donner toutes les informations.

Les lumières de Sorolla

Après les informations fournies par son compagnon omniscient, elle vérifie qu'elle a bien compris, il s'agit de Clotilde et de sa fille Elena. Elle ne s'est pas trompée non plus sur le lieu, ils sont situés dans la ville de Jávea à Alicante, plus précisément au cap de San Antonio. À ce moment-là, quelqu'un pose une main sur l'épaule de la voyageuse. Lorsqu'elle parvient à distinguer le visage, elle se rend compte qu'il s’agit de Joaquín Sorolla lui-même. Pinceau en main et toile prête, il immortalise le moment d'amour que lui offre sa famille dans ce lieu qu'il admire tant, Jávea.

En 1905, année où se déroule l'action, Sorolla a 42 ans. Il n'est pas dans ses années de formation, il a déjà obtenu plusieurs de ses plus grands honneurs. Il est Chevalier de la Grande Croix d'Isabelle la Catholique, membre de l'Académie des Beaux-Arts de Valence et a remporté des prix d'honneur à l'Exposition universelle de Paris et à l'Exposition nationale de Madrid. Bien qu'il n'ait pas encore dessiné certaines de ses œuvres les plus remarquables et acclamées, comme Le petit cotre ou Promenade au bord de la mer.

Jávea, vivre en bord de mer

Jávea, avec ses criques et ses plages impressionnantes, est une source continue d'inspiration pour l'artiste valencien. Cette sensation a également été ressentie en partie par la voyageuse de l’art, qui regarde autour d'elle et sent la paix l'envahir, malgré le fait que l'eau soit agitée. On peut ressentir la paix dans les vagues qui continuent à se briser sur les rochers. Le son et l'image hypnotisent tout le monde.

Dans ces tableaux inspirés par les plages de Jávea, vous pouvez apprécier la technique développée par le peintre avec la lumière. Il est considéré comme l'un des meilleurs artistes ayant pu captiver les jeux des lumières et des ombres de la nature.

Soudain, son fidèle allié, l’audioguide, entre en action, brisant le moment d'hypnose et cite quelques mots de Sorolla sur Jávea dirigés à la protagoniste de l'œuvre, sa femme Clotilde. On les retrouve dans une lettre écrite seulement 9 ans plus tôt, en 1896 : "Tout cela est une folie, un rêve, le même effet que si vous viviez dans la mer, et à bord d'un grand navire, comme vous avez eu tort de ne pas venir ! Vous seriez si heureuse... vous vous y plairiez tellement ! C'est l'endroit dont j'ai toujours rêvé, mer et montagne, mais quelle mer ! Le cap San Antonio est une autre merveille, un énorme monument rougeâtre, énorme et immense. [...] La ville rappelle, avec une meilleure couleur, Tolède, et a l'apparence de vivre au XVIIe siècle".

Clotilde et le musée Sorolla

Elena laisse échapper un rire qui renvoie la jeune femme sur les rochers. Elle sent la tendresse de la scène à côté du peintre, qui regarde Clotilde. Mais cette fois, c'est plus fugace, plus instantané. Cette fois, sa femme ne pose pas comme elle l'avait fait pour l’œuvre Clotilde sur la plage. Clotilde est, en cette année 1905 et toujours, une pièce maîtresse dans la vie de l'artiste. Elle est la protagoniste incontestée de l'histoire de l'artiste et la muse d'un grand nombre de ses œuvres.

Aucune des personnes présentes ne le sait encore, mais une grande partie de ses toiles sera exposée au musée Sorolla. Le bâtiment est la propre maison du peintre dans la rue Paseo del General Martínez Campos, numéro 37, à Madrid. Et tout cela se fera grâce à la protagoniste du tableau, Clotilde. La femme la plus importante dans la vie du peintre a donné, après sa mort, la maison et la plupart des tableaux afin que toute l'œuvre artistique du peintre valencien fasse partie du patrimoine du pays préservant ainsi son héritage.

De nouveau, un rire transporte l'esprit vers le corps de la jeune femme. Dans un moment de réflexion, elle ferme les yeux, intériorisant tout ce qu'elle a vécu et ressentant la mer, mais lorsqu'elle les ouvre, quelque chose s'est produit. Elle n'est plus sur la plage, elle n'est plus avec Sorolla qui le regarde dessiner Clotilde et sa fille.  Elle est retournée de la même manière qu'elle était partie, sans savoir comment, au Musée. Même de retour chez elle, elle assimile encore tout ce qu'elle a vécu, elle n'a jamais vécu un voyage comme celui-ci.  Elle ne sait pas si ce qui s'est passé est réel ou si c'est le fruit de son imagination, mais soudain, une brise familière envahit à nouveau l'atmosphère.

Notre voyageuse des arts entend quelqu'un bouger et se tourne légèrement sur le côté. Il lui est difficile d'assimiler - et elle a déjà éprouvé cette sensation - qu'elle se trouve à côté de Francisco de Goya. Au pied de la colline, l'artiste représente un groupe de personnes faisant la fête. Il peint notamment l'une des rares œuvres qu'il possède dans le style paysage, il s'agit de La prairie de Saint-Isidore.

De l'agriculteur au saint

En balayant le paysage du regard, l'audioguide, comme toujours, raconte tout ce qu’il y a à côté de la voyageuse. Elle se trouve à Madrid à la fin du XVIIIe siècle, plus précisément dans la prairie qui couronne l'église de San Isidro. Et c'est la fête de ce saint patron qui est célébrée à Madrid au printemps, le 15 mai. Elle vit un moment historique et en est pour la première fois consciente.

Les nouvelles informations de l'audioguide lui font sortir de sa rêverie et elle commence à connaître le lieu. Les gens y sont heureux, c'est un grand jour dans la capitale, ils ont l'estomac plein et le verre plein. Ils sont chargés à ras bord d'eau, mais pas n'importe quelle eau, celle qui coule de la fontaine de l'église de San Isidro. Selon la tradition, le saint était auparavant un agriculteur. Son patron avait soif et Saint-Isidore a accompli le miracle de faire jaillir de l'eau au milieu du champ. À partir de ce moment, de nombreuses personnes sont venues boire de l'eau à cet endroit, aussi bien le peuple que la monarchie, car ils lui attribuaient des propriétés curatives.

Le jour du saint patron de Madrid, tout le monde vient boire l'eau et faire la fête dans les environs du lieu. Pour rendre hommage à cet illustre personnage de la capitale, la reine Isabelle de Portugal ordonna la construction de la chapelle en 1528. Dans ce lieu, Goya analyse le paysage pour le peindre tandis que la voyageuse des arts contemple le spectacle.

L'anecdote du Madrid de Goya

Verre à la main et profitant de cette journée festive, les personnes présentes posent  dans cette scène. Cette œuvre est la sixième commande que le monarque Charles III lui confie à Goya. Elle fait partie de la série de tableaux qu'il peint pour la chambre des Dauphins dans le palais du Pardo. " Une curiosité de cette œuvre est qu'il s'agit en fait d'une esquisse ", informe l'audioguide. L'ambiance festive augmente et on entend déjà les chants des personnes les plus vives de la colline, mais ce n'est pas un obstacle pour la voix, qui continue son travail.

Goya, à cet instant, alors qu'il se tient sur la colline en train de peindre, ne le sait pas, mais Charles III va mourir et Charles IV ne voudra pas qu'il continue la série. C'est pourquoi la toile, qui devait initialement mesurer 7 mètres, est restée une petite esquisse d'à peine 40 x 90 centimètres. Malgré cette anecdote, le tableau a été très apprécié au cours des siècles suivants et est aujourd'hui considéré comme l'une des pièces les plus représentatives du Madrid de l’époque.

Au-delà de la rivière Manzanares

Le rire de l'un des nombreux participants l'amène à regarder à nouveau la prairie, mais elle remarque les bâtiments de l'autre côté de la rivière de Madrid, le Manzanares. Le premier qui attire son attention est le Palais Royal. C'est un bâtiment jeune, âgé d'à peine 24 ans à partir du moment où les travaux ont été achevés en 1764. Mais son jeune âge n'affecte pas le fait qu'il soit le plus grand d'Europe occidentale et l'un des plus grands du monde. L'emplacement privilégié est tiré de l'ancien Alcazar royal de Madrid, qui a cessé d'être debout en 1734 après un incendie dont, même au XXIe siècle, l'origine est inconnue.

L'autre bâtiment qui attire l'attention de la voyageuse des arts est la Basilique de Saint-François-le-Grand. De style néoclassique, la basilique dotée de la plus grande coupole d'Espagne et de la quatrième plus grande du monde est encore plus jeune que le palais royal. L'œuvre architecturale de Francisco Sabatini n'est debout que depuis 4 ans. Aujourd’hui, le temple possède à l'intérieur des œuvres d'artistes renommés tels que Goya lui-même ou de Francisco de Zurbarán.

L'artiste et la voyageuse de l'art se regardent avec complicité. L'excitation est de plus en plus forte. Après un instant, l'agitation disparaît et le seul son qu'elle entend maintenant est celui de la mer. Une fois de plus, elle a voyagé dans un autre endroit. Cette fois plus calme, cette fois avec un soleil radieux, cette fois : Sorolla.

Cadaqués avant d’être touristique

L'audioguide n'a pas encore reconnu le paysage où la jeune femme s’est plongée. Cependant elle sait, elle se trouve à Cadaqués, une municipalité de Gérone à forte influence maritime. Bien que 30 ans après ce saut dans le temps, dans les années 60, le tourisme aura un grand poids dans le développement de ce coin de la Costa Brava.

Parmi ses voisins se trouvent d'illustres personnalités de l'art qui mettront l'accent sur l'intérêt des visiteurs. Cette ville de la côte de l'Alt Empordà se caractérise par le charme de ses rues et l'aura presque magique des enclaves qui composent son côté naturel. La vue sur les criques est tout simplement envoûtante.

Elle continue à monter la colline et l'image de la maison au sommet devient plus claire. La voix de l'audioguide semble avoir récupéré et fait son travail, elle commence donc à donner des informations. Elle confirme ce que la jeune femme sait déjà. Elle se trouve sur la Costa Brava, plus précisément près de la maison de vacances de la famille Dalí.

Derrière une fenêtre ouverte, au fond d'une pièce, on aperçoit un peintre, Salvador Dalí, et une jeune femme. L'artiste, qui avait 20 ans à l'époque, représente une figure féminine qui regarde la Méditerranée par la fenêtre. C’est clair, elle assiste à la création de la Jeune fille à la fenêtre de Dalí.

Nous sommes en 1925, comme l'avait dicté son intuition et comme le confirme aujourd'hui son audioguide. La fille est la sœur de l'artiste, Anna Maria, et la fenêtre est celle de sa maison à Cadaqués. C'est une maison que la famille visite en été pour profiter du climat et de la mer Méditerranée. Ce n'est pas la première fois que le paysage du village est représenté dans l'une de ses œuvres. Dix ans plus tôt, en 1916, il apparaissait déjà dans certaines de ses œuvres, comme La plage d'Es Llaner. C'est sur cette plage que se trouve la maison de la famille, une grande source d'inspiration pour le jeune Dalí.

Elle laisse la colline derrière elle et arrive enfin à la maison. Elle traverse la maison, ses portes ouvertes, jusqu'à ce qu'elle se retrouve appuyée contre le cadre de la porte, devant la fille et la fenêtre que Salvador Dalí peint. Elle remarque que la danse du rideau balancé par le vent forme des vagues, qui sont camouflées avec la mer par la couleur bleue qu'elles partagent.

La robe de la jeune fille passe également inaperçue dans le paysage. Ce n'est pas le premier portrait qu'il a fait, ni qu'il fera de sa sœur, mais c'est le plus remarquable de la série. Anna fera office de modèle jusqu'en 1929, date à laquelle Gala, la femme de Dalí, la remplacera. Elle vivra plus tard avec elle dans la ville voisine de Figueres, et leur maison deviendra ce que l'on appelle aujourd'hui le Théâtre-Musée Dalí.

Surréalisme réaliste

Mais ce qui la frappe le plus chez la fille de la fenêtre, ce sont ses pieds, et c'est là que l'audioguide continue comme avant, racontant tout ce que ses yeux peuvent voir. L'artiste n'est pas encore le célèbre peintre surréaliste que l'histoire connaît aujourd'hui, mais bien qu'il s'agisse d'une pièce plus réaliste, elle comporte des détails éloignés de ce style. Il s'agit de l'un des pieds de la protagoniste du tableau, qui, comme la jeune femme peut le voir en personne, sont capturés dans le tableau avec une taille inférieure à celle du vrai pied. Le peintre applique précisément son pinceau sur ce détail.

La voyageuse de l'art continue d'observer tout ce que voit Anna María, car s'il y a une chose qui caractérise cette œuvre, ce sont les deux plans protagonistes. Le premier est la pièce avec la silhouette de la jeune fille qui regarde par la fenêtre et le second est le paysage. Ce n'est que maintenant qu'elle réalise le détail que les maisons blanches, si typiques et caractéristiques de la Méditerranée, se reflètent dans le verre de la fenêtre.

Le célèbre tableau en cours de réalisation n'est pas encore exposé au musée Reina Sofía de Madrid. Cette institution n'existe toujours pas. Nous sommes en 1925 et le bâtiment de Madrid qui abritera plus tard nombre des œuvres les plus importantes de l'art surréaliste est un hôpital. Ce n'est que des décennies plus tard, en 1986, qu'il a rouvert ses portes et est devenu ce que l'on appelle aujourd'hui le Musée national centre d'art Reina Sofía.

Les inspirations de Dalí

L'artiste n'a que 20 ans et est encore dans ses années de formation, il n'a donc pas encore pleinement développé son style surréaliste. Dans cette phase d'apprentissage, il se trouve généralement à la Résidence d'étudiants de Madrid. Dans ce lieu, un bâtiment créé pour donner libre cours à l'imagination et à l'art dans toutes ses expressions, il a vécu et rencontré des figures illustres de la scène artistique espagnole comme García Lorca, Luis Buñuel et Rafael Alberti.

Alors qu'il continuait à façonner sa Jeune fille à la fenêtre, il n'avait pas encore créé l'une de ses œuvres les plus célèbres. Celle avec  laquelle il commencera pour la première fois à dessiner l'un de ses éléments les plus caractéristiques, l'éléphant aux pattes allongées. Une forme inspirée de l'obélisque de la Piazza della Minerva à Rome, créé par Gian Lorenzo Bernini. L'œuvre de Dalí en question porte un nom fantaisiste : Rêve causé par le vol d'une abeille autour d'une grenade, une seconde avant l'éveil.

Le jeune fille, la sœur de Dalí allait écrire son œuvre Salvador Dalí vu par sa sœur en 1949. Voici ce qu'elle raconte à la jeune femme qui observe la composition : "Pendant les heures où je lui ai servi de modèle, je ne me suis jamais lassée d'observer ce paysage qui fait maintenant, et pour toujours, partie de moi-même. Car il me peignait toujours près d'une fenêtre. Et mes yeux ont eu le temps de s'attarder sur les plus petits détails. Des détails comme le bateau que l'on voit naviguer sur la mer en arrière-plan."

Le peintre se tourne un instant et fait un mouvement qui surprend notre voyageuse de l'art. Il signale la porte d’un coup de pinceau, il veut qu'elle parte. Anna Maria ne sort pas de son nirvana personnel, fruit de la contemplation de la Méditerranée. Souriant, calme, notre voyageuse retourne dans la rue.

Il est situé au Musée du Prado, où il est entré en 1861 provenant du Monastère des Déchaussées royales à Madrid.

Ce temple, qui a été consacré en 1435, comptait trois autels. Celui qui se situait à droite du chœur possédait le retable de L’Annonciation de Fra Angelico.

Les autres deux retables étaient le Couronnement de la Vierge (au Musée du Louvre) et un triptyque dont son panneau central montre à la Vierge avec son enfant et deux anges (encore à l’église florentine).

En 1611, le Couvent de San Domenico de Fiesole vendit le panneau pour payer les travaux de construction d’un nouveau clocher. Il fut acquis par le Duc de Lerma, qui le céda á l’Église des Dominicains de Valladolid.

La Florence du XVe siècle

La précision des détails est l’une des caractéristiques d’influence du nord de l’Europe. Au cas de l’Annonciation, elle est montrée dans la minutie avec laquelle sont dessinées les fleurs de l’Éden ou les ailes de Saint Gabriel. 

Guido di Pietro, l’auteur

Très jeune, il s’installe à Florence pour suivre une formation comme illuminateur de manuscrits. Cette formation est évidente grâce à la précision et la souplesse avec laquelle sont exécutés la plupart des détails de ses œuvres.Ci-dessous se réalisera un commentaire de ce retable fascinant : L’Annonciation de Fra Angelico.

Retable de l’Annonciation

Au côté gauche du panneau, il nous montre le moment exact où l’Ange expulse Adam et Ève du Paradis. En plus, et pour effacer les doutes, Fra Angelico les représente habillés : ils sont donc conscients de leur nudité.

Pour éclaircir l’avenir qui leur attend hors de l’Éden, Fra Angelico marque, comme une ceinture, des épines à leurs vêtements.

Leurs gestes sont très intéressants. Adam semble d’être repenti, préoccupé par les conséquences de son action, Eva, elle joint ses mains en attitude de prière.

Mais nous pouvons l’apercevoir aussi dans la petite hirondelle située sur le hauban de l’arc. La couleur blanche de sa poitrine fait référence au plaisir à cause de la naissance de Jésus, et son plumage noir à la Passion, avec laquelle elle payera les péchés de tous les hommes.

Comme dans tant d'autres œuvres, la Vierge est dans un intérieur domestique et, dans ce cas-ci, elle lit. Face à l'arrivée de Saint-Gabriel, elle arrête un moment son activité. Et en tant que servante du Seigneur, elle manifeste un geste dont elle assume la mission qui lui a été confiée.

Dans le coin supérieur gauche, il place une source de lumière dans laquelle il dessine les mains de Dieu le Père. D'elle vient un rayon qui descend vers Marie. Il y place la colombe, symbole du Saint-Esprit, dont sa venue fera concevoir le Messie par Marie.

Le Messie ou Jésus est représenté sur l’écoinçon central de la loge.

Prédelle

Dans la première, il recueilli sa naissance et son mariage auprès de Saint-Joseph. Ce qui suit nous montre la Visitation, c'est-à-dire, le moment où la Vierge rend visite à sa cousine Elisabeth. Elle est enceinte de Saint-Jean Baptiste. La troisième est l'Epiphanie ou l'Adoration des Bergers.

Le tableau a été réalisé en 1814, six ans après les événements. Il est associé à La Charge des mamelouks, aussi appelé Deux mai 1808 à Madrid.

Sur cette toile de grande taille, 2,68 x 3,47 mètres, Goya a essayé de refléter les horreurs de la Guerre d'indépendance espagnole.

Situé au Musée du Prado dans la salle 064, il y est entré avant 1834 procédant des collections royales.

C'est dans ce moment de l’histoire que Goya propose de réaliser deux tableaux illustrant l'héroïsme et le sacrifice du peuple espagnol, et plus particulièrement celui de Madrid : Les Fusillades du 3 mai et La Charge des mamelouks.Tout de suite, nous réaliserons une analyse des aspects les plus intéressants de ce tableau : Les Fusillades de Goya.

Les vrais protagonistes

En outre, cette figure est agenouillée et vêtue d'une chemise blanche. Il est l'antihéros. Un homme anonyme et innocent, dont la mort sera le symbole du courage du peuple espagnol face à la barbarie française.

A côté de lui, un autre personnage agenouillé est représenté, mais les mains dans un geste de prière ou de supplication. Il nous invite à croire qu'il est religieux, sûrement franciscain. Goya dénonce ainsi une fois de plus les représailles féroces exercées par les troupes françaises, qui n'ont pas fait la distinction entre rebelles et innocents.

À droite se trouve un groupe d'hommes dont les visages et les gestes nous montrent la réalité de l'horreur du moment. À y regarder de plus près, l'un d'entre eux exprime la terreur absolue. Le blanc de ses yeux brille, il a peur et il semble même se ronger les ongles.

En tout cas, Goya n'est pas intéressé par l'exécution elle-même. Si c’était le cas, il devrait nous présenter des hommes emprisonnés, les mains liées et flanqués de soldats. Goya voulait exalter le courage du peuple madrilène face au tyran toléré.

Príncipe Pío, l’endroit

Les références architecturales qu’il dessine ne se correspondent pas à celles du Madrid de l’époque. Ce sont de simples "ornements" qui indiquent l'éloignement du centre-ville.

Certains auteurs ont associé la tour à celle de l’église du couvent de San Bernardino. D’autres, par contre, croient qu’il s’agit de l’église Santa Cruz, la plus haute de la ville.

Les fusillades ont eu lieu à l’aube du 3 mai, une nuit sombre et pluvieuse. Pour recréer cette atmosphère funeste, Goya peint un ciel noir qui occupe une grande partie de la toile. Cette ressource lui aide à augmenter le drame.

Au contraire, la seule source de lumière présentée dans l'œuvre est un simple fanal. Cependant, la lumière ne provient pas de lui, mais de la chemise blanche de notre antihéros. En outre, l'éclairage derrière les têtes du reste des condamnés à mort, comme une auréole, la renforce.

Les soldats français

Le seul élément qui nous permet de les identifier comme des soldats français est le type de chapeau qu'ils portent : le morion. De plus, leurs paquetages nous permettent d'affirmer qu'ils appartenaient à l'infanterie.

D'autre part, leurs uniformes ont des teintes différentes, car ils sont faits de laine sans teinture.

La conception du temps